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EL CAC MÁLAGA PRESENTA “PARRESIA Y LUGAR” LA EXPOSICIÓN INDIVIDUAL MÁS IMPORTANTE DE DIONISIO GONZÁLEZ EN ESPAÑA EN LOS ÚLTIMOS AÑOS
El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presentará Parresia y lugar, la exposición individual más importante de Dionisio González (Gijón, 1965) en España en los últimos años. La muestra, comisariada por Fernando Francés, está compuesta por casi un centenar de obras, entre fotografías, vídeos, foto-esculturas, prismas holográficos y maquetas, que comprenden la última década de creación del artista, en la que se entremezclan arquitectura, diseño y fotografía. Todos son lugares en los que los conceptos de creación y destrucción, ruina y habitabilidad entablan un diálogo sin fin. González reinventa situaciones y paisajes suburbanos de Ámsterdam, Hanói, las favelas de Brasil, Dauphin Island o Central Park, valiéndose de las nuevas tecnologías digitales aplicadas a la imagen.
14 de diciembre de 2018 al 21 de abril de 2019
“Nunca antes, la arquitectura había estado tan alejada, tan desocupada, de la socialización de los espacios. Esta forma de habitar se podría definir como arquitectura de la violencia y la seguridad. Estas nuevas estéticas de la seguridad, junto con la proyección de espacios fulgurantes de la cultura y el entretenimiento, están sembrando el territorio tecnológico y urbano de ruinas distópicas”, explica el artista Dionisio González. “Habría, en cierto modo, que recuperar la cacotopía, como definición del mal lugar, para establecer este espacio de ruinas furibundas. Mientras, la ciudad digital expande su movimiento como el sistema solar, de forma vertical, hacia una economía de la cultura transnacional, sus construcciones en “apariencia” están somatizadas por una nueva topografía del terror, fundamentadas en ocupar todos los espacios huecos del mundo”.
Para Fernando Francés, director del CAC Málaga, “Dionisio González crea arquitecturas sustitutivas y propositivas, como una especie de defensa contra la misma naturaleza, a veces brutal, a veces devastadora, a la que en ocasiones no le queda más que bunkerizarse, como él mismo la denomina, como una línea Maginot en defensa de la misma naturaleza”. La preocupación por el espacio que habita el ser humano le viene a Dionisio González de largo tiempo atrás, quedando reflejado en esta década de producción que acompañan la muestra Parresia y lugar. El concepto parresia hace referencia al filósofo Michel Foucault que abordó esta cuestión preocupado por las relaciones entre verdad y subjetividad.
Dionisio González (Gijón, 1965), artista multidisciplinar afincado en Sevilla, reinventa el paisaje, los espacios y sus derivas sociales. Preocupado por los modos de habitar contemporáneos, las relaciones del hombre con la naturaleza y el naufragio social crea obras reactivas y propositivas. Invenciones que permiten imaginar nuevas realidades, en las que coexisten caos y belleza, conjuntamente con una fuerte carga conceptual y teórica que articula las posibilidades de crear un lugar mejor y más habitable. En sus obras, Dionisio González platea soluciones de cómo deberían haber sido, o como deberían ser desde su pensamiento, desde su verdad, estas construcciones, edificios, hogares y casas. Desde sus primeras instalaciones mostraba su preocupación por los espacios y la luz, pero pronto evolucionó al empleo de la fotografía como medio de profundizar en esa concepción espacial y a la propia arquitectura como inquietud central.
La mayoría de obras que pueden verse en la muestra Parresia y lugar son fotografías que el artista ha tomado in situ y que luego modifica digitalmente. Primero teoriza los proyectos que conforma en bocetos instalativos que luego lleva a las tres dimensiones situándolos en el espacio a intervenir. El artista establece su trabajo en series. Podrán verse en el CAC Málaga: Dauphin Island, Las horas claras, Halong Series, Thinking Hanoi, Thinking Amsterdam, Inter-Acciones, Busan Project, Instalación: Construir, habitar, existimar, Thinking Central Park, Dialectical Landscape y Cartografias para a remoção.
En la serie Dauphin Island, González altera el espacio a partir de la edificios preexistentes y ubica otros de tamaño reducidos sobre aquellos vacíos de la playa en los que los restos indican una presencia anterior. Logra una restitución total de la zona (arquitectura sustitutiva) y plantea soluciones con materiales que pueden resistir tormentas y tornados (arquitectura propositiva). La serie está realizada en la isla del mismo nombre, perteneciente al estado de Alabama (EEUU). El interés por Dauphin Island procede del estudio de arquitecturas acuáticas y palafíticas que tienen su origen en el neolítico. Se trata de una isla frente al Golfo de México que ha sufrido numerosas catástrofes naturales y para la que se han propuesto proyectos arquitectónicos “bunkerizados” en aquellos espacios previamente devastados por huracanes y tornados como El Katrina. En las obras que componen esta serie Dauphin Island I, II, VII, X y XI (2011), el artista ha recreado situaciones cotidianas, con mujeres tomando el sol, tablas de surf o personas caminando, no se ha limitado a integrar los edificios, sino a demostrar su cotidianidad.
Por otra parte, el proyecto Halong Series subraya como los hábitos de asentamiento de la marginalidad se territorializan en espacios invisibles. New Halong I (2013), Halong IV (2009), Halong IV (2009) y Halong VIII (2009) muestran como en la Bahía de Halong, Vietnam, dichos emplazamientos se encuentran expuestos a la visibilidad etnográfica. Las aldeas flotantes, que se extienden a lo largo de 120 km de costa, caracterizadas por una arquitectura vernácula corren el riesgo de ser desnaturalizadas ante el fenómeno de la asimilación que se produce cuando tiene lugar un cambio asimétrico entre dos sociedades: donde la más fuerte subordina a la otra, haciendo de ella su imagen refleja.
Las horas claras son fotografías a partir de Venecia por González, resultado de un trabajo anterior de exploración donde determinó las localizaciones exactas de arquitecturas ausentes proyectadas para esta ciudad por arquitectos como Wright, Le Corbusier, Kahn y Rossi. Tras esto, ha ido levantando los edificios tridimensionalmente a partir de los dibujos y los planos existentes. Ha hecho realidad lo que estaba solamente planteado. Es un trabajo de integración, de reemplazo, que conforma una Venecia posible o una Venecia que pudo ser. En Memorial Masieri (2011), González ha presentado el proyecto para la realización de una Residencia-Refugio para académicos y estudiantes de Arquitectura de Venecia de Wright confiado en 1952 por la familia Masieri, en memoria de su hijo Angelo. En la parcela triangular en la que había una modesta casa con vistas al Gran Canal, el arquitecto norteamericano diseñó un nuevo edificio que no fue aprobado debido al incumplimiento de determinados requisitos de los reglamentos de construcción.
En Cartografías para a remoção el artista admite que no solo interviene, sino que interfiere en la problemática extrema de las favelas de Brasil, como proyectista o como regulador social. Este, intenta establecer un rol social en defensa de estos asentamientos, proponiendo no su erradicación sino su saneamiento que no es sino la intervención; la alteración, a partir de la “cartografía” ya existente, como puede apreciarse en las obras Heliopolis (2006), Nova Heliopolis (2006), Nova Heliopolis (2006), Nova Ipiranga (2006), Acqua Gasosa I (2006), Nova Acqua Gasosa I (2007), Ipiranga II (2006), Comercial Santo Amaro (2007) y el vídeo Revelação do subúrbio (2007). La favela es el icono que de forma más rotunda nos muestra cómo la arquitectura urbana puede ser un asunto que se resuelve mediante una lógica popular.
A partir de cuatro miradas sobre Central Park: Frederick Law Olmsted, Walter Benjamin, J. D. Salinger y Lady Gaga, González se propone la idea del refugio como monumento y la prolongación aérea del parque como recurso dialéctico. La serie fotográfica Thinking Central Park presenta pequeñas “acciones” constructivas en el parque que operan como cabinas o cabañas que, como señalara Bachelard, constituyen la soledad centrada. Forman parte de esta serie Olmestd’s Eye (2017) y Lady Gaga’s Belvedere (2017). Además, la serie Dialectical Landscape, en blanco y negro, pretende una ideación radical del paisaje urbano. Es, a su vez, un homenaje a Smithson al que le apasionaban las ortofotografías y las vistas aéreas desde donde contemplar los movimientos de tierra y la transformación del territorio, como puede verse en Dialectical Landscape I, II, III, IV, V, VI y VII (2017).
Instalación: Construir, habitar, existimar es un conjunto de fotografías, documentos, maquetas y holografías que centran la historia de dos viviendas residenciales de mediados de siglo XX: La Casa Celan y la Casa Madeleine, ejecutadas por Marcel Breuer y Erich Mendelsohn respectivamente. A la manera de un falso documental González mezcla verdad y ficción se confunden enlazando la ejecución y los acontecimientos vitales en torno a estos “dos iconos de la arquitectura moderna”. Esta extensa serie está conformada por: Celan House (2015), Madeleine House (2015), Archivo Celan I, II, III, IV, V, VI y VII (2015), Archivo Madeleine I, II, III, IV, V, VI, VII y VIII (2015), Maqueta Celan (2015), Maqueta Madeleine (2015), Prisma holográfico Dreamoc HD3 (Madeleine House) (2015), Prisma holográfico Dreamoc HD3 (Madeleine House) (2015), Prisma holográfico Dreamoc HD3 (Celan House) (2015) y Prisma holográfico Dreamoc POP3 (Celan House) (2015).
La Casa Celan pensada por Marcel Breuer para el poeta Paul Celan en Plaisir (Isla de Francia), fue finalmente construida en 1954 por el arquitecto en Wellfleet, Massachusetts, como vivienda personal. Era un espacio liberado de tendencia y proyectado según lo que Simmel llama el Stimmung o tonalidad espiritual del paisaje; que se fundamenta en el estado psíquico y reflexivo del observador o en la propia inconsciencia de las cosas que establecen el orden del paisaje. La Casa Celan es, sin duda, el proyecto más singular de Breuer y una de las más paradójicas construcciones del movimiento moderno en arquitectura. El hecho de su destrucción posterior, de su derrumbe, de que aquel orden sucumbiera a la ausencia (el 18 de abril de 1970), hace de esta casa algo inaprensible. Cuando Celan en 1958, cuatro años después de su terminación, visitó a Breuer en Wellfleet en la casa que llevaba su nombre exclamó: “aquí habría que fundar la asociación de los expulsados del mundo”. La Casa Madeleine fue realizada en abril de 1953 por Erich Mendelsohn para Madeleine Haas Russell en Indian Tree, Novato, San Francisco. Sería la última obra acabada que el arquitecto dejó en vida. Proyectó una casa integrada en la naturaleza, donde perderse, habitar de otra manera el espacio y el tiempo, sin presuposición ni finalidad. La demolición de esta casa en 1965 creó una anomalía, un desajuste histórico.
Busan Project VI (2011) muestra el proyecto que las autoridades de la ciudad de Busan propusieron hacer a González. Este, era un estudio de intervención sobre las colinas degradadas que rodean a la metrópolis, provocado por un proceso de acampamiento habitativo disfuncional y urbano generado en los años diaspóricos o migratorios de la guerra y posteriormente durante el apogeo industrial. De esta experiencia del artista, nace también por parte del conjunto de todas estas instituciones la idea proyectual y constructiva de llevar a la práctica real; en definitiva a un plano físico y funcional dichas imágenes como residencias de estudiantes, miradores y/o museos, como medio de alternancia y convivencia entre la lícita tenencia de las barriadas provisorias. Y no ya desde el desacoplamiento o la supresión sino desde la consunción y la conmixtión de elementos que rearmen una contextura empresarial y disuadan la repugnancia inspirada por los suburbios.
Por otra parte, la serie Inter-Acciones revela un conjunto de arte/factos envueltos por una poética del lugar, en palabras de Jean-Louis Déotte, las obras informan, aparatizan los destinatarios, en este caso, desde el lugar. Pero también revelan según González, el abandono, la inconveniencia de la arquitectura en la escena. En todo momento son localizadores, arquitecturas que señalan el emplazamiento, limitadores del ambiente que se significan por su capacidad de sorprender y fundamentalmente, por su voluntad de evocar. Arquitecturas alzadas sobre pilotes que se reglamentan por un empleo inusual del espacio y por una ocupación que provoca extrañamiento y excepción; bien por la tipología de la propia arquitectura, bien por su adaptación al paisaje y el equilibrio que se da cuando la naturaleza interactúa con el aparato arquitectónico.
También podrá visionarse el vídeo Thinking Ámsterdam (2018), donde, a partir de una visión excéntrica o periférica de Ámsterdam y a través de arquitecturas ejecutadas en las últimas dos décadas, el artista muestra los conceptos de habitación, uniformización y heterotopía. Lo hace a partir de 17 proyectos arquitectónicos que anticipan diferentes modos de habitar: desde el contraer domicilio al tener casa abierta o tomar asiento. Finalmente, cuestiona una historia de la velocidad que anticipan las puertas, los puertos y los telepuertos como el ensamble perturbador de un “topos” movedizo.
Por último Thinking Hanoi (2009), relaciona los más de veinte lagos de la ciudad con el flujo insalubre de las motocicletas. Esto provoca una especie de pandemia social circulante y vial que empuja a la ciudad hacia una nube comburente y rítmica. El agua es, en esta narración, el elemento vinculante en su pureza pero en su estanqueidad e insalubridad también. Las lluvias provocan, no pocas veces, inundaciones en la ciudad exudando las alcantarillas y las aguas cloacales. Acompañando estos ritmos, estos flujos de agua, aparecen otros de carácter circulatorio y expeditivo. González muestra centenares de motos, que a la vez, se incorporan en pequeños cruces en todas direcciones. No hay reglas solo aminoramientos de ritmo. Nadie cede el paso a nadie. Las motos se tocan entre sí, unos se apoyan sobre otros en un asombroso equilibrio mientras las bocinas suenan sin parar, no como una interpelación sino como voces asonantes que balizan su situación en ese apocalíptico caos vial procomún. Lo que establece el ritmo en la fatalidad.
Dionisio González (Gijón, Asturias, 1965), doctor en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla y profesor de la misma. Ha recibido numerosos premios como la Beca Leonardo. Fundación BBVA a Investigadores y Creadores Culturales (2016/2018), Premio Nacional de Grabado, Museo del Grabado Español Contemporáneo (2015) o Winner of European Month of Photography Arendt Award, Luxemburgo, París, Berlín, entre otros. Su obra está presente en museos como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, el Museum of Contemporary Photography, Chicago, EEUU. o el Centro Nacional de Arte Contemporáneo de París así como en importantes colecciones privadas. También ha participado en la feria de arte de ARCO en Madrid. Ha expuesto sus obras por infinidad de galerías y centros de arte situados en ciudades de todo el mundo como Centro Cultural de España en México; JE JU BIENNALE. Corea del Sur; Galerie Richard, Nueva York, Estados Unidos; Taubert Contemporary, Berlín, Alemania; ProjectB, Milán, Italia; Katz Contemporary, Zúrich, Suiza; Maison Europenne de la Phothographie, París, Francia o en The Colums Art Center For Visual and Performing Arts, Seúl, Corea del Sur, entre otros.
Descargue la hoja de sala en español e inglés aquí.
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THE CAC MÁLAGA PRESENTS “PARRHESIA AND PLACE”, DIONISIO GONZÁLEZ’S LARGEST SOLO SHOW IN SPAIN IN RECENT YEARS
The Centro de Arte Contemporáneo of Málaga is proud to present Parrhesia and Place, the most ambitious solo exhibition dedicated to Dionisio González (Gijón, 1965) in Spain in recent years. Curated by Fernando Francés, the show consists of nearly one hundred photographs, videos, photo-sculptures, holographic volumes and scale models from the last decade of the artist’s career, in which architecture, design and photography intertwine. All of his settings are places where the ideas of creation and destruction, ruin and habitability engage in an endless dialogue. González reinvents suburban landscapes and situations in Amsterdam, Hanoi, Brazilian favelas, Dauphin Island and Central Park, using new digital technologies applied to the image.
14 December 2018–21 April 2019
“Architecture has never been so detached, so unoccupied by the socialisation of spaces. This mode of dwelling might be defined as the architecture of violence and security. These new security aesthetics, together with the design of dazzling spaces for culture and entertainment, are littering the technological and urban landscape with dystopian ruins,” artist Dionisio González explains. “In a way, we need to recover cacotopia as the definition of a bad place in order to establish this space of frenzied ruins. Meanwhile, the movement of the digital city is expanding vertically, like the solar system, moving towards a transnational cultural economy, and in ‘appearance’ its structures are externalised as a new topography of terror, based on occupying every hollow space in the world.”
According to Fernando Francés, director of the CAC Málaga, “Dionisio González creates replacement and propositional architecture as a defence against nature itself: in the face of this often brutal and occasionally devastating force, sometimes the only option is to bunkerise, as the artist says, to build a kind of Maginot Line against nature’s onslaughts.” Dionisio González has long been concerned with human dwelling spaces, as attested by the decade of works featured in Parrhesia and Place. The concept of parrhesia is connected to the philosopher Michel Foucault, whose interest in the relationship between truth and subjectivity led him to explore this idea.
Dionisio González (Gijón, 1965), a multidisciplinary artist based in Seville, reinvents landscape, spaces and their social drifts. Concerned with contemporary modes of dwelling, the relationship between humans and nature, and the social wreck, he creates reactive and propositional works, inventions which allow us to imagine new realities where chaos and beauty coexist, accompanied by a powerful conceptual and theoretical message that articulates the possibility of creating a better, more habitable place. In his works, Dionisio González offers ideas of what these structures, buildings, homes and houses might have been, or should have been according to his way of thinking, his truth. A preoccupation with spaces and light was evident in his early installations, but he soon gravitated towards the use of photography as a tool for further exploring that spatial concept, and architecture became his primary interest.
The majority of the works featured in Parrhesia and Place are photographs that the artist took on location and later digitally altered. González first envisions his projects in installation-like sketches and then translates them into three dimensions, situating them in the space to be intervened. The artist formulates his work in series, and the following are exhibited at the CAC Málaga: Dauphin Island, Las horas claras [The Light Hours], Halong Series, Thinking Hanoi, Thinking Amsterdam, Inter-Acciones [Inter-Actions], Busan Project, Instalación: Construir, habitar, existimar [Installation: Thinking, Dwelling, Holding an Opinion], Thinking Central Park, Dialectical Landscape and Cartografias para a remoção [Cartographies for Removal].
In the Dauphin Island series, González altered the space by working on pre-existing buildings and inserting other smaller structures in the empty gaps on the beach where vestiges indicate something once stood. He managed to completely restore the area (replacement architecture) and propose solutions with materials that can withstand storms and tornados (propositional architecture). The series was created on the eponymous island off the coast of Alabama. The artist’s interest in Dauphin Island stemmed from the study of aquatic architecture and stilt houses that originated in the Neolithic. This island in the Gulf of Mexico has suffered numerous natural disasters, leading architects to come up with “bunkerised” designs for spaces previously devastated by tornados and hurricanes like Katrina. In the works from this series—Dauphin Island I, II, VII, X and XI (2011)—the artist does not just integrate the buildings but also shows their everyday reality, recreating ordinary scenes of women sunbathing, surfboards or people walking.
The Halong Series project underscores the fact that the settlement habits of marginalisation are territorialised in invisible spaces. New Halong I (2013), Halong IV (2009), Halong VI (2009) and Halong VIII (2009) show how those settlements are exposed to ethnographic visibility in Halong Bay, Vietnam. Floating villages, stretching 120 km along the coast and characterised by vernacular architecture, run the risk of becoming denaturalised by the assimilation phenomenon that occurs when there is an asymmetrical exchange between two societies, where the weaker is made subordinate to the stronger and becomes its mirror image.
Las horas claras [The Light Hours] is a series of photographs of Venice, which González took after tracking down the precise locations of absent works designed for this city by legendary architects like Wright, Le Corbusier, Kahn and Rossi. Afterwards, he erected the buildings in three dimensions using the existing drawings and plans. González took those visions and made them reality in a work of integration, of replacement, constituting a possible Venice or a Venice that might have been. In Memorial Masieri [Masieri Memorial] (2011), González presents the plans for a residence/guest house for architecture students and academics in Venice, which the Masieri family asked Wright to design in 1952 in memory of their son Angelo. On a triangular plot where a modest house stood, overlooking the Grand Canal, the American architect designed a new structure that never materialised as city officials rejected the building permit application because it did not meet certain construction requirements.
In Cartografias para a remoção [Cartographies for Removal], the artist admits that he not only intervened but actively interfered in the extremely thorny issue of Brazil’s favelas, as a project designer or social regulator. He wanted to take a social stance in defence of these settlements, advocating not their eradication but their improvement, which is the same as intervention: an alteration of the existing “cartography”, as illustrated by the works Heliopolis (2006), Nova Heliopolis (2006), Nova Heliopolis (2006), Nova Ipiranga (2006), Acqua Gasosa I (2006), Nova Acqua Gasosa I (2007), Ipiranga II (2006), Comercial Santo Amaro (2007) and the video Revelação do subúrbio [Suburban Revelation] (2007). The favela is the most substantial, iconic proof that urban architecture is a problem that can be solved by popular logic.
Based on four people’s visions of Central Park—Frederick Law Olmsted, Walter Benjamin, J. D. Salinger and Lady Gaga—González posits the idea of the refuge as a monument and the aerial extension of the park as a dialectical resource. The photographic series Thinking Central Park presents small constructive “actions” in the park that function as stalls or cabins which, as Bachelard pointed out, constitute centred solitude. Olmsted’s Eye (2017) and Lady Gaga’s Belvedere (2017) are two works from this series. The black and white series Dialectical Landscape aims to offer a radical conception of the cityscape. It is also a tribute to Smithson, who had a passion for orthophotos and aerial views that permit the contemplation of the earth’s movements and the transformation of territory, as is apparent in Dialectical Landscape I, II, III, IV, V, VI and VII (2017).
Instalación: Construir, habitar, existimar [Installation: Building, Dwelling, Holding an Opinion] is a group of photographs, documents, models and holograms that focus on the history of two mid-century residential structures, Celan House and Madeleine House, designed by Marcel Breuer and Erich Mendelsohn, respectively. In the manner of a mockumentary, González’s piece blurs the line between truth and fiction, and the execution and historical events surrounding these “two icons of modern architecture” are intertwined. This extensive series comprises Celan House (2015), Madeleine House (2015), Archivo Celan [Celan Archives] I, II, III, IV, V, VI and VII (2015), Archivo Madeleine [Madeleine Archives] I, II, III, IV, V, VI, VII and VIII (2015), Maqueta Celan [Celan Model] (2015), Maqueta Madeleine [Madeleine Model] (2015), Prisma holográfico Dreamoc HD3 (Madeleine House) [Dreamoc HD3 Holographic Display (Madeleine House)] (2015), Prisma holográfico Dreamoc HD3 (Celan House) [Dreamoc HD3 Holographic Display (Celan House)] (2015) and Prisma holográfico Dreamoc POP3 (Celan House) [Dreamoc POP3 Holographic Display (Celan House)] (2015).
Celan House, initially designed by Marcel Breuer for the poet Paul Celan in Plaisir (Île-de-France), was finally built by the architect in 1954 in Wellfleet, Massachusetts, as a private residence. Ignoring contemporary trends, this space was designed according to what Simmel called the Stimmung or spiritual mood of the landscape, based on the psychic and reflexive state of the observer or on the actual subconscious of the things that determine the order of the landscape. Celan House is undoubtedly Breuer’s most singular creation and one of the most paradoxical constructions of the Modern Movement in architecture. The fact that it subsequently collapsed and was demolished, that this order succumbed to absence (on 18 April 1970), makes this house an almost elusive entity. When Celan visited Breuer in Wellfleet at the house bearing his name in 1958, four years after its completion, he exclaimed, “This is where the association of the world’s outcasts should be founded.” Madeleine House was created in April 1953 by Erich Mendelsohn for Madeleine Haas Russell in Indian Tree, Novato, San Francisco. It would be the last work the architect completed before his death. He designed a house perfectly integrated in its natural setting, a place to get lost in, to inhabit space and time in a different way, with no prior assumptions or aims. The demolition of this house in 1965 created an anomaly, a historical imbalance.
Busan Project VI (2011) presents the project that González produced at the request of the authorities of the city of Busan, an intervention study on the degraded hills surrounding the metropolis, sullied and worn by a dysfunctional urban residential encampment process that began during the diaspora or migratory years of the war and continued in the subsequent period of industrial growth. As a result of this experience, the Korean institutions came up with the constructive project of actually putting these images into practice, of giving them physical, functional form as student residences, viewing platforms and/or museums that would alternate and coexist with the licit tenure of the provisional slums—not through displacement or suppression, but through the consumption and commixture of elements that would rearticulate an entrepreneurial contexture and banish the repugnance inspired by the suburbs.
The Inter-Acciones [Inter-Actions] series reveals a set of art-e-facts enveloped in a poetry of place; as Jean-Louis Déotte said, artworks inform, apparatise their recipients, in this case from the topos. But they also reveal, according to González, the abandonment, the inconvenience of architecture in the scene. At all times they are locators, architectures that indicate position, limiters of the atmosphere signified by their ability to surprise and, fundamentally, their will to evoke. Structures elevated on stilts, regulated by an unusual usage of space and an occupation that gives rise to estrangement and exception, due to the style of the architecture itself or its adaptation to the landscape and the equilibrium established when nature interacts with the architectural apparatus.
Visitors to the show will also be able to watch the video Thinking Amsterdam, where the artist, through an ex-centric or peripheral vision of Amsterdam and architectures built in the last two decades, articulates the concepts of dwelling, uniformisation and heterotopia by exploring 17 architectural projects that herald different modes of dwelling, from hiring a residence to having an open house or taking a seat. It also questions a history of the speed foreshadowed by doors, ports and teleports as the disturbing ensemble of a shifting topos.
Finally, Thinking Hanoi (2009) draws a connection between the more than twenty lakes in the city and the insalubrious flood of motorbikes that throng its streets, creating a kind of social and road traffic pandemic that pushes the city towards a rhythmic cloud of combustion. In this narrative, water is the connective element in both its purity and its stagnant noxiousness. Heavy rains often cause flooding in the city, resulting in overflowing sewers and drains. These rhythms, these flows of water, are accompanied by others of an expeditious circulatory nature. González shows hundreds of motorbikes that flow into tiny intersections at the same time, moving in every direction. There are no rules, just occasional lulls. No one yields to anyone. The bikes scrape together and lean against each other in an amazing balancing act while the horns blare incessantly, not asking or demanding anything but simply joining the chorus of assonant voices marking their location in that apocalyptic chaos of the public thoroughfare. And this lends rhythm to fatality.
Dionisio González (Gijón, Asturias, 1965) earned his PhD in Fine Arts from the University of Seville, where he currently teaches. Among his many distinctions are the Fundación BBVA Leonardo Grant for Cultural Creators and Researchers (2016/2018), the National Printmaking Prize from the Museo del Grabado Español Contemporáneo (2015), and the European Month of Photography Arendt Award (Luxembourg, Paris, Berlin). His work can be found in museums like the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), the Museum of Contemporary Photography (Chicago), and the Centre Georges Pompidou, as well as several major private collections. He has also participated in ARCOmadrid, the contemporary art fair. His work has been exhibited at countless galleries, art centres and events in cities across the globe, including the Cultural Centre of Spain in Mexico; the Jeju Biennale, South Korea; Galerie Richard, New York, USA; Taubert Contemporary, Berlin, Germany; ProjectB, Milan, Italy; Katz Contemporary, Zurich, Switzerland; Maison Européenne de la Photographie, Paris, France; and The Columns – Art Center for Visual and Performing Arts, Seoul, South Korea.
Download the english and spanish information sheet here.
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