EL CAC MÁLAGA PRESENTA “SOY MI PROPIO PAISAJE” DE JANAINA TSCHÄPE

 

El CAC Málaga presenta “Soy mi propio paisaje,” comisariada por Helena Juncosa, la nueva exposición individual en un museo de la artista germano-brasileña Janaina Tschäpe (Múnich, Alemania, 1973), actualmente afincada en Nueva York. Tras más de veinte años sin exponer individualmente en un museo en España, CAC Málaga exhibe una muestra compuesta por ciento veinte obras realizadas en las últimas dos décadas, entre pinturas, dibujos, grabado y fotografías. Las sugerentes composiciones de Tschäpe incluyen paisajes abstractos que distorsionan la percepción de la realidad, en ellas presenta imágenes que evocan el mundo natural, lo que sugiere crecimiento, transición y metamorfosis. Su interés y sus recuerdos basados en fenómenos naturales, como las hojas mecidas por el viento, el correr del agua o los cambios en la luz y la oscuridad, se traducen de forma física a un lenguaje distintivo de abstracción profundamente personal y abierto a interpretación. Tschäpe celebra el poder de la pintura como forma de entender el mundo.

 

Del 22 septiembre al 3 de diciembre de 2023

 

La exposición Soy mi propio paisaje de Janaina Tschäpe incluye pintura, dibujo, grabado y fotografía, la evolución artística experimentada por la artista a lo largo de las dos últimas décadas. Sus primeros proyectos estaban relacionados con el campo de la fotografía performativa y el vídeo, en los que basándose en el mundo natural mostraba creaciones de fantasía y paisajes oníricos con extrañas imágenes figurativas en su interior. La serie más antigua presentada en esta muestra es, Botanica Series (2004-2005), en la que a través de la fotografía crea escenarios que muestran especies vegetales y hongos inventados, de colores y formas imposibles, catalogados con nomenclatura científica pero completamente producto de la ficción.

Tschäpe pone en diálogo en su obra el barroco brasileño con el romanticismo alemán, haciendo oscilar su lenguaje visual entre la representación y la abstracción. Durante toda su trayectoria ha investigado distintas disciplinas y experimentado con distintos materiales, trabajando diferentes técnicas como dibujo, pintura, grabado, fotografía, escultura, performance o vídeo. En esta exposición, los visitantes podrán apreciar obras que van desde fotografías hasta dibujos destacando en toda la muestra la aparición de acuarela sobre papel, en las que la abstracción es un elemento predominante.

La obra de Tschäpe ha evolucionado, manteniendo su interés en los mismos temas, como la botánica, la biología marina y la naturaleza en su más amplio espectro, ahora representando los espacios completamente exentos de figuras protagonistas. Su obra hace referencia a la naturaleza en su totalidad, mares, montañas o bosques, interesándose en la idea y abandonando la búsqueda de la representación formal de un espacio concreto. Es aquí donde la artista encuentra en porciones de la naturaleza un microcosmos que le permite fijarse en una pequeña fracción del mundo que representa “el todo”. Como sostenía el escritor Alemán Johann Wolfgang von Goethe, “la naturaleza es un organismo vivo y el humano es una pequeña parte de él, no puede desligarse de ella, ya que participa de esta”, a través de esta mirada la artista plasma la imagen a través de una respuesta, emocional, espiritual y física, invitando al espectador a ser parte del paisaje al igual que ella misma.

“Me interesa incorporar lo imprevisible: un rayo, una tormenta; en fin, me interesan los efectos que la naturaleza produce en la obra, dejo que siga su curso”

A lo largo de su trayectoria ha utilizado materiales como caseína, acuarela, lápices de colores o ceras, para dotar sus obras de sensación de fluidez y transparencia, como en las obras Leise (2017) o Pink Swamp (2019) incluidas en esta muestra. En contraposición, sus trabajos más recientes están basados en la experimentación del diálogo entre dibujo y pintura, objetivo que consigue a través del óleo y las barras de óleo, que dotan al cuadro de una sensación matérica ausente en creaciones anteriores, ya que la pintura otorga a la obra densidad, abandonando la sensación etérea y translúcida de los materiales anteriores, esto permite a la artista crear obras más gestuales y fluidas utilizando la pintura y los surcos dibujados por las barras de óleo en la superficie como parte de la composición y del mensaje gestual.

Quiero que la pincelada conquiste el lienzo… Para mí pintar significa sentir algo muy de cerca, estar físicamente en el presente con cuerpo y alma”.

La muestra Soy mi propio paisaje trabaja sobre esta idea en la que el humano es una pequeña fracción del mundo natural y forma parte de ella, al igual que la artista forma parte de los paisajes abstractos presentados en su obra, consigue así establecer una conversación entre la pintura y el dibujo a través de una respuesta física en la que utilizándose a sí misma como extensión del medio pictórico plasma emociones, sensaciones y experiencias, siendo ella su propio paisaje.

I Am My Own Landscape (2018) es la serie que comparte nombre con la muestra presentada, compuesta por treinta y seis acuarelas sobre papel, sugiere una identificación de ella misma con su pintura, una sucesión de autorretratos en los que la artista abandona la representación tradicional figurativa, retratando las emociones y pensamientos que nacen en el propio acto de pintar. Las obras reciben el título de distintos lugares: Nueva York; Ilhéus, un lugar en la costa de Brasil; Tulum, una playa en el Caribe mexicano o Lupud, una isla de Croacia. Conforman, una suerte de diario de viaje, que no es sino un viaje interior.

Otra de las series a destacar, disponibles en esta muestra, es la serie de autorretratos en acuarela sobre papel, Self-Portraits (2020-2022), realizados a modo de diario utilizando acuarela sobre papel. En esta serie, a través de obras esquemáticas y de trazo rápido, la artista busca representar la transformación de la persona condicionada por su entorno, plasmando de forma personal el paisaje interior, el alma de la persona o el paisaje secreto del yo.

Janaina Tschäpe nació en Munich, Alemania (1973), para más tarde instalarse en Brasil, lugar en el que comenzó su investigación sobre el arte local y donde conoció a artistas como Lygia Clark o Hélio Oiticica, por lo que está estrechamente vinculada a las dos culturas. Obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Academia de Hamburgo, donde experimento su primer encuentro con el arte y la historia del arte, sobre todo con el alemán. Estudió con artistas pertenecientes al movimiento Fluxus y cercanos a uno de sus referentes artísticos, Joseph Beuys, por lo que sus primeras creaciones iban orientadas hacia la performance. Ha recibido influencias de artistas como el surrealista Henri Magritte o Maya Deren entre otros.

“Tengo una visión muy romántica, muy alemana del arte y, al mismo tiempo, la parte performática, aunque formalmente la aprendí en Alemania, creo que intuitivamente tiene más que ver con Brasil”.

A lo largo de su carrera ha realizado un sinfín de exposiciones por todo el mundo entre las que cabe destacar algunas muestras individuales en instituciones como el Centro de Arte Contemporáneo Den Frie, Copenhague, Dinamarca; el Museo de Arte de Sarasota, Florida; el Musée L’Orangerie, París, Francia; el Museo de Arte Contemporáneo de Tucson, Arizona, EE.UU; Kasama Museo de Arte Nichido, Kasama, Japón; Museo Irlandés de Arte Moderno, Dublín, Irlanda, y el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis, han tenido la oportunidad de acoger la obra de Janaina Tschäpe.

También ha participado en numerosas exposiciones colectivas en lugares como The Lewis Glucksman Gallery, Cork, Irlanda; NCA Taipei, Taiwán; Whitechapel Galería, Londres; TBA21-Augarten, Viena, Austria; CCBB, Río de Janeiro, Brasil; Centro de Arte Contemporáneo de Normandía, Francia; Museo de Arte Contemporáneo del Siglo XXI, Nanazawa, Japón; Instituto Tomie Ohtake, São Paulo; Escaparate de Arte y Arquitectura, Nueva York, EE.UU; Museo Nacional de Mujeres en las Artes, Washington D.C., EE.UU; Galería Pratt Manhattan, Manhattan, EE.UU; OCA Museo de la Ciudad, São Paulo; Kunsthal Kade, Países Bajos; Ciudad Matarazzo, São Paulo, Brasil; Ronnebaeksholm, Dinamarca; Centro Cultural Banco do Brasil en Belo Horizonte, Brasil; Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts, EE.UU; y Museo de Arte Contemporáneo de Taipei, Taiwán.

Su obra también pertenece a importantes colecciones públicas, entre ellas el Centro Pompidou, París, Francia; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España; Museo de Arte de Harvard, Cambridge, Massachusetts, EE.UU; Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil; Museo Moderno, Estocolmo, Suecia; Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, Viena, Austria; y el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, EE.UU entre otros.

En su carrera ha completado encargos públicos en la ciudad de Nueva York, EE.UU; Miami Playa, Florida; São Paulo, Brasil; y Holbæk, Dinamarca.

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THE CAC MÁLAGA PRESENTS I Am My Own Landscape

BY JANAINA TSCHÄPE

 

The CAC Málaga presents I Am My Own Landscape, the new solo museum exhibition by New-York-based, German-Brazilian artist Janaina Tschäpe (Munich, Germany, 1973). The show, curated by Helena Juncosa, is Tschäpe’s first solo exhibition in a museum in Spain in twenty years. It comprises one hundred and twenty works – including paintings, drawings and photographs – produced over the past two decades. Tschäpe’s evocative compositions, featuring abstract landscapes that distort the perception of reality, present images that evoke the natural world, suggesting growth, transition and metamorphosis. Her interests, together with memories inspired by natural phenomena – leaves swaying in the wind, rushing water or changes in light and darkness – are translated physically into a distinctive language of abstraction that is deeply personal and open to interpretation. Tschäpe celebrates the power of painting as a way of understanding the world.

From 22 September to 3 December 2023

Following the artist’s evolution over the last two decades, Janaina Tschäpe’s I Am My Own Landscape includes painting, drawing, engraving and photography. Her first projects were related to the field of performative photography and video, featuring fantasy creations and dreamlike landscapes inspired by the world of nature and populated by an array of strange characters. Such is the case of her Botanica Series (2004-2005), on display in the present show, in which the artist creates photographic scenarios inhabited by peculiar plant species and artificial fungi, exhibiting the most unlikely colours and shapes, that are entirely fictional but bear scientific-sounding names.

In her work, Tschäpe sets up a dialogue between Brazilian Baroque and German Romanticism, using a visual language that oscillates between representation and abstraction. Throughout her career she has worked in different fields and experimented with a variety of materials, employing diverse techniques such as drawing, painting, engraving, photography, sculpture, performance and video. In the present exhibition, the public will be offered predominantly abstract works ranging from conceptual photographs to drawings and watercolours.

Tschäpe’s output has evolved over time. While continuing to focus on the same themes – botany, marine biology and nature in its broadest sense – the spaces she now depicts are completely devoid of figures. Her work references nature in its entirety – seas, mountains and forests – and seeks to represent the “idea”, rather than formally characterising specific locations. By creating microcosms out of fragments of nature, the artist focuses on small fractions of the world in order to represent “the whole”. As the German playwright Johann Wolfgang von Goethe said, “Nature is a living organism and human beings are but a small part of it; partaking as they do in nature, they cannot detach themselves from it”. By means of this perspective, Tschäpe shapes her images through an emotional, spiritual and physical response that invites the viewer to be as much a part of the landscape as she is herself.

“I am interested in incorporating the unpredictable: a bolt of lightning, a storm; in short, I am interested in the effects that nature produces in the work, I let it take its course.”

Throughout her career she has used materials such as casein, watercolour, coloured pencils or crayons, to endow her works with a sense of fluidity and transparency, as in Leise (2017) and Pink Swamp (2019), both included in the present show. In contrast, her most recent works are based on experimenting with the interaction between drawing and painting, a goal she achieves by using oil paint and oil sticks. These give her pieces a materic feeling which was absent from her previous creations, as the paint adds density to the work. By abandoning the ethereal and translucent texture of her former materials, the artist is able to create pieces that are more gestural and fluid, using the paint and the grooves traced by the oil sticks on the surface of the work as part of its composition and gestural message.

“I want the brushstroke to conquer the canvas… For me, painting means to feel something very closely, to be physically in the present, body and soul.”

I Am My Own Landscape centres on this idea of human beings as a small fraction of the natural world of which they are a part, just as the artist is part of the abstract landscapes presented in her work. Tschäpe’s approach manages to establish a conversation between painting and drawing through a physical response in which, using herself as an extension of the pictorial medium, she shapes emotions, sensations and experiences and becomes her own landscape.

Sharing its title with the name of the present show, I Am My Own Landscape (2018) is a series of thirty-six watercolours on paper, suggesting an identification of the artist with her painting in a succession of self-portraits in which traditional figurative representation is disregarded in favour of a portrayal of the emotions and thoughts that are born during the act itself of painting. The works are named after different places: New York; Ilhéus, a city on the coast of Brazil; Tulum, a beach in the Mexican Caribbean; or Lopud, an island in Croatia. These pieces constitute a sort of travel diary of what is ultimately an inner journey.

Another of the works that stands out, also featured in the exhibition, is the series Self-Portraits (2020-2022), done in the form of a diary using watercolour on paper. In these schematic pieces, executed with swift strokes of the brush, the artist seeks to represent the conditioned transformation a person undergoes under the influence of the environment by capturing her personal perception of the “inner view”: the subject’s soul or what we might call the secret landscape of the self.

Janaina Tschäpe was born in Munich (Germany) in 1973, and later settled in Brazil. There she began her research into local art and met artists such as Lygia Clark and Hélio Oiticica, developing close links to the second of her two cultures. At the Hamburg Academy of Fine Arts, where she took her degree, she experienced her first encounters with the world of art and its history, devoting particular attention to the German tradition. Tschäpe studied with artists belonging to the Fluxus movement, who were close to Joseph Beuys – one of the group’s key figures of reference – and her first creative projects took place in the field of performance. She has been influenced by artists such as the Surrealist Henri Magritte and the experimental film-maker Maya Deren, among others.

“I have a very romantic, very German vision of art, and there’s also my performative side, which I formally acquired in Germany, but I think has more to do – intuitively speaking – with Brazil.”

Throughout her career, Janaina Tschäpe has exhibited all over the world. Some of the institutions that have hosted solo shows of her work include: the Den Frie Centre of Contemporary Art (Copenhagen); the Sarasota Art Museum (Florida); the Musée de l’Orangerie (Paris); the Museum of Contemporary Art, (Tucson, Arizona); the Kasama Nichido Museum of Art (Kasama, Japan); the Irish Museum of Modern Art (Dublin); and the Contemporary Art Museum St. Louis (St. Louis, Missouri).

The artist has also taken part in numerous group exhibitions at venues such as the Lewis Glucksman Gallery (Cork, Ireland); the NCA Taipei (Taiwan); the Whitechapel Gallery (London); TBA21-Augarten (Vienna); CCBB (Rio de Janeiro); the Centre d’art contemporain de Normandie (France); the 21st Century Museum of Contemporary Art, Kanazawa (Kanazawa, Japan); the Instituto Tomie Ohtake (São Paulo); the Storefront for Art and Architecture (New York); the National Museum of Women in the Arts (Washington D.C.); the Pratt Manhattan Gallery (New York); the Museu da cidade de São Paulo – OCA (São Paulo); the Kunsthal KAdE (The Netherlands); Cidade Matarazzo (São Paulo); Ronnebaeksholm (Denmark); Centro Cultural Banco do Brasil Belo Horizonte (Brazil); the Museum of Fine Arts, Boston (Boston); and the Museum of Contemporary Art Taipei (Taiwan).

Her work is part of major public collections belonging to institutions like the Centre Pompidou (Paris); the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid); the Harvard Art Museums (Cambridge, Massachusetts); the Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Rio de Janeiro); the Moderna Museet (Stockholm); the Thyssen-Bornemisza Art Contemporary (Vienna); and the Solomon R. Guggenheim Museum (New York), among others.

Janaina Tschäpe has undertaken public commissions in New York City, Miami Beach, São Paulo, and Holbæk (Denmark).

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